GIORGIONE

Giorgione (1477-1510)

 Nacido en Castelfranco, su verdadero nombre era Giorgio Barbarelli, posee numerosas dotes artísticas aunque se inclina por la pintura comenzando a los 10 años como aprendiz en el taller de Giovani Bellini. En su estilo además  se advierten,  influecias de Antonello da Messina, quien le había dado a conocer la técnica del óleo en Venecia; de Leonardo da Vinci, del que tomó el sfumato; e incluso en la actualidad se piensa que recibió alguna indicación de Vittore Carpaccio en sus momento iniciales. También pintó por encargo para coleccionistas privados, y en esto se diferencia de los otros artistas de su tiempo, que trabajaron sobre todo para grandes instituciones públicas o para la Iglesia.

En su corta vida podemos señalar dos etapas

- La quattrocentista o hasta 1500  resulta un tanto dibujístico en su estilo y de temática religiosa. La obra paradigma que además cierra este periodo de aprendizaje es la Madonna entre santos de la iglesia de Castelfranco.

-Una segunda etapa en su obra en la que aparece la libertad de ejecución y riqueza de efectos cromáticos, una  mayor expresividad y  el uso del paisaje no como marco sino como parte de la obra.

A partir de  1502 realiza los retratos del dux Agostino Barbarigo y del condotiero Consalvo Ferrante. Un retablo en memoria de Matteo Constanzo para la iglesia de san Liberal en su ciudad natal. Un cuadro, hoy perdido, para la decoración de la nueva Sala de Audiencias de Palacio Ducal.  Finalmente antes de su muerte en 1510 trabajó, junto a otros artistas de su generación como Tiziano, en los frescos de la fachada del nuevo edificio del Fondaco dei Tedeschi, sede de los mercaderes alemanes en Venecia.

Los avances que supuso la figura de Giorgione en la pintura fueron:

• Riqueza cromática  porque consideraba que para ganar en expresividad debían someterse todos los elementos al color.
• Empleo del lienzo: Fue el interés por el color lo que lo llevó al uso de la nueva técnica del lienzo que sustituiría a la tradicional tabla de la pintura italiana. La tela unía a su facilidad en el transporte y una mayor economía, la posibilidad de que sobre su textura se consiguieran efectos de color más adaptados a su estética.
• Paisaje como parte fundamental: De la perspectiva lineal de Quattrocento basada en elementos geométricos y matemáticos, busca apoyarse en elementos atmosféricos y ambientales, dejando de analizar por separados las figuras para dar una visión más unitaria en el espacio en que están situadas. Por primera vez, Giorgione pinta paisajes con figuras en vez de una figura con paisajes. Esto sienta una base importante para el desarrollo del arte moderno.
• Cuadros de género: Su temática es profundamente profana, a pesar de contar con cuadros religiosos, él no  pretende mover al espectador a la devoción, es lo que hoy podríamos llamar El arte por el arte.

Desde 1925, los museos realizan pruebas de radiografía a sus cuadreos  para poder autentificarlos, asi se le han atribuido como propios los siguientes cuadros; Los tres filósofos del Kunsthistorisches Museum de Viena, La Venus dormida de Dresde,.Sus principales obras se encuentran expuestas en diferentes lugares como Castelfranco,  Viena,  Paris , Berlin, Madrid, Londres y Florencia,.

En la academia de Venecia se encuentra: La tempestad y el retrato de vieja, siendo la tempestad el mayor exponente de su obra, llamado el primer paisaje de la Historia del Arte Occidental y que pasamos a analizar

La tempestad (1507-08).

. Es la pieza clave para comprender uno de los cambios más importantes ocurridos en la pintura veneciana a lo largo de toda su historia. Hasta este momento, la figura y el paisaje eran  unidades independiente En la tempestad se muestra un paisaje que no es un simple escenario para situar unos personajes, sino que es coprotagonista en el cuadro. Los seres humanos son tratados con la misma importancia que los elementos de la naturaleza.

Representa a un soldado y a una mujer desnuda dando el pecho a un niño, separados por un arroyo. Al fondo se ve una ciudad y en el cielo la tormenta que su título indica. La multitud de símbolos que tiene el lienzo ofrece muchas interpretaciones:

       1.   Un episodio mitológico de la historia  del niño Paris siendo amamantado.

2.      interpretación religiosa cristiana como un extraño descanso en la Huida a Egipto. También se ha apuntado la posibilidad de que se trate de la expulsión de Adán y Eva del Paraíso o el rescate de Moisés del Nilo.

3.      referencias literarias de las Pastorales, de notable inspiración en el arte del siglo XVI.

4.     La plasmación de los principios de la composición elemental del mundo (tierra, fuego, agua y aire), base de las teorías físico-filosóficas de la escuela renacentista

5.     Por último también se cree  que el cuadro pueda representar la leyenda del origen fenicio de la familia Vendramin, ya que un componente de esta familia fue el que le  encargó la obra.

Análisis del Cuadro:

 

La mujer

Una  mujer, sentada a la derecha, amamanta a su bebé. Está desnuda, excepto por un blanco lienzo que le recubre los hombros, símbolo sugestivo pero también de pureza e inocencia.
Por su barriga redonda y por el hecho de estar dando el pecho, podría simbolizar a la fertilidad o a la maternidad. Algunos críticos, opinan que representa la caridad. La posible asociación de la mujer con la Virgen María criando a Jesús.

El HombreUn hombre, posiblemente un soldado, sosteniendo un asta o pica, permanece a la izquierda. Sonríe y mira a la derecha, pero parece no ver a la mujer.
Los historiadores del arte han identificado al hombre con un soldado, un pastor o un gitano. Los rayos X han revelado que en lugar del hombre, Giorgione pintó originariamente otra mujer desnuda.

Las columnas

 suelen simbolizar la fuerza o la firmeza. Aunque en este caso, se encuentran rotas, un clásico símbolo de la muerte.
Algunos destacan las cigüeñas del tejado de la derecha. Las cigüeñas, en ocasiones, representan el amor paterno-filial.

 

El paisaje

Podría representar un paisaje de la Arcadia, en las afueras de una ciudad. La escena se completa con un arroyo, árboles y ruinas. Las oscuras nubes del cielo se iluminan por la luz del relámpago, anunciando la inminente tormenta.
Los colores son apagados y la iluminación tenue. Dominan los colores fríos como verdes y azules. El paisaje no es un mero telón de fondo. Giorgione pintó el paisaje para darle un protagonismo. La naturaleza se convierte aquí en auténtica protagonista, a la que todo lo demás se le subordina como simples elementos. La representación de la inminente tempestad actúa como símbolo del poder de la naturaleza.

Otro de los cuadros expuestos es el retrato de Vieja

 En este cuadro se  representa de realidad mediante la luz, el color y  la pureza  de la imagen  que son  rasgos  que se pueden ver en los retratos de  Giorgione, entre ellos esta pintura de la Anciana.